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Exhibiciones de moda, segunda parte del año 2017

En esta segunda parte actualizamos el recorrido por los museos del mundo que eligen a la moda como sujeto de análisis de la cultura contemporánea.  Si bien en su mayoría son exhibiciones de moda y diseño, incluimos algunas otras que las complementan (dos de fotografía especializada y una de arte textil). Varias de ellas celebran el trabajo manual y analizan la influencia de la moda en nuestros gustos, el modo en el que consideramos nuestro cuerpo y otras elecciones que van mucho más allá de lo decidimos vestir. Otras rescatan del olvido el trabajo de autoras mujeres, sumándose a la tendencia de la que dimos cuenta en varias ocasiones a lo largo de este año.  Los  problemas actuales que enfrenta la humanidad están cada vez más presentes en museos y bienales, por lo que la moda, la creatividad y el diseño van revelando la potencia de cambio que tienen implícita.

Exhibiciones de moda – Primera Parte del año 2017

Imagen Superior: Walter van Beirendonck, Hat: Stephen Jones, autumn/winter 2010–11 © Ronald Stoops

 

The Body: Fashion and Physique

The Museum at FIT, Nueva York  – Estados Unidos

El cuerpo de moda es una construcción cultural que ha cambiado a lo largo de la historia enfatizando diferentes formas y proporciones. Sin embargo, el ideal de moda no se percibe tan fluidamente en la vida cotidiana. Aparece más como una expectativa que afecta la forma en que vemos y tratamos nuestro cuerpo y el cuerpo de los demás. The Body: Fashion and Physique explora la compleja historia del cuerpo “ideal” y la variedad de formas corporales que se han considerado de moda desde el siglo XVIII hasta el presente. La exposición también examina la relación entre la moda y la política del cuerpo. Las prendas se complementan con imágenes de la prensa, medios de moda, películas y otras fuentes para demostrar cómo la industria de la moda ha contribuido tanto a la marginación como a la celebración de ciertos tipos de cuerpos dentro de nuestra cultura.

Históricamente, la industria de la moda ha tratado el cuerpo (particularmente el femenino) como maleable, algo que puede moldearse y cambiarse con el corte de una prenda, la ropa interior, dietas, ejercicio e incluso cirugía plástica, dependiendo del período.

 

The Body, Fashion and Physique

Túnica de lino de Martin  Margiela, 1997 – Stays en brocato de seda, 1750-1760

 

Vegetabilia

Museo de la Historia del Traje, Buenos Aires – Argentina

A partir del nuevo guión museográfico, esta exposición busca romper el relato historicista mediante un diálogo entre el presente, pasado y futuro donde el Museo se trasformará en un laboratorio de observación, análisis y clasificación de las distintas especies vegetales, que podrán apreciarse en prendas de distintos períodos históricos y orígenes pertenecientes a nuestro acervo nunca exhibido, así como también de prendas de diseñadores contemporáneos.

La muestra vincula el universo vegetal con la indumentaria contemporánea a través de una propuesta de taxonomía u ordenamiento antojadizo, según diferentes ejes temáticos de acercamiento como el origen, el período histórico, la función, la migración, la materialidad.

La palabra “Vegetabilia” proviene del latín Vegetabile y fue utilizada en el siglo VXIII por el científico sueco Carl von Linneo para nombrar al Reino Vegetal.

 

Vegetabilia, Museo Nacional de la Historia del TrajeExhibiciones de moda – Foto: Cortesía del Museo Nacional de la Historia del Traje

 

Christian Dior

Royal Ontario Museum, Ontario – Canadá

El final de una guerra. El comienzo de una revolución en la moda. La exhibición explora la brillantez detrás de las dramáticas creaciones de Christian Dior que revivieron la industria de la alta costura parisina después de la devastación de la Segunda Guerra Mundial. En una entrevista para Canadian Living, su curadora Alexandra Palmer, expresó:

“La exposición trata sobre la ropa; la ropa real que hizo que Dior tuviera tanto éxito. Indaga acerca de qué era lo que la gente necesitaba ver, usar, tener, copiar y qué tenía específicamente esa ropa que la hizo tan exitosa. Esta muestra tiene mucho que ver con la construcción y con todos los trabajadores que ayudaron a crear el mundo de Christian Dior: los diseñadores, bordadores, fabricantes de textiles, joyeros. Son miles de personas las que sostienen la industria de la alta costura, y estoy muy interesada en esas personas y esos sistemas, más allá de un nombre icónico. Lo que hace que ese trabajo sea lo que es me interesa mucho más que el hombre en sí mismo.”

 

Exhibiciones de moda - Christian Dior - Royal Ontario MuseumExhibiciones de moda – Foto: Cortesía del Royal Ontario Museum

 

Manolo Blahník: El Arte del Zapato

Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid – España

Esta retrospectiva que abarca más de 45 años de trabajo, está dedicada a la obra de una de las figuras más importantes de la moda contemporánea. Su fantástica inventiva y exquisito artesanado han logrado romper las fronteras entre el mundo de la moda y el arte. La exposición, organizada por la revista VOGUE España con la colaboración del diseñador Manolo Blahník y su equipo de Londres, analiza su complejo y fascinante universo creativo a través de una selección de 212 zapatos y 80 de sus dibujos originales provenientes de la colección privada del diseñador. Curadora: Cristina Carrillo de Albornoz

Dibujo incluído en la exhibición de moda Manolo Blahník. El arte del zapato

Exhibiciones de moda – Dibujo incluído en “Manolo Blahník. El arte del zapato”

 

Senderowicz, fotógrafo y pintora
El Cultural San Martín, Buenos Aires – Argentina

Desfilar en un partido de fútbol, continuar las rayas de un vestido en una casilla de chapa o multiplicar un automóvil con reminiscencias de pintura futurista. Desde los años ’50, el polaco Boleslaw Senderowicz condujo su fotografía por caminos que deliberadamente vulneraban, sin quebrarla del todo, la naturalidad de las cosas.
Fotógrafo de Editorial Abril –aquella de Corsa y Siete Días, y también de la revista femenina Claudia–, Senderowicz encontró rápidamente su camino en una industria cultural en pleno crecimiento, donde, a la vez, la fotografía buscaba activamente su lugar entre las bellas artes. Para la Argentina fueron años de una intensa producción publicitaria y de moda. En este ámbito Bolek, como lo llamaba su familia, elevó sensiblemente los estándares de calidad profesional y técnica (sus dos laboratorios color fueron los primeros del país) a la vez que desnaturalizaba, con espíritu lúdico, la seriedad del documento fotográfico.

Ubicar modelos de alta costura en la calle o el puerto, o tras una cortina de diarios; multiplicar objetos o personas, solarizarlas, superponer negativos en imposibles escenas oníricas, fueron recursos tan novedosos como impensables. Senderowicz los sistematizó en su trabajo cotidiano, pero también en los experimentos pioneros de la Carpeta de los Diez, colectivo artístico que integrará en los ’50 junto a Annemarie Heinrich y otros destacados fotógrafos locales.
Prolíficamente activo hasta su muerte en 1994, su archivo de más de cien mil negativos se encuentra actualmente en proceso de puesta en valor, digitalización y difusión por su nieta, la pintora Paula Senderowicz. Texto: Diego Guerra

 

Foto: Boleslaw Senderowicz, cortesía El Cultural San Martín

 

Change the System

Museum Boijmans, Róterdam – Países Bajos

Los diseñadores de “Change the System” presentan los proyectos con los que desean cambiar el mundo, paso a paso o en un gran gesto. Con el trabajo de más de cincuenta diseñadores y artistas, la exposición ofrece una visión de la potencia de cambio del diseño contemporáneo. ¿Podemos deshacernos de los océanos de plástico, crear un mundo sin plástico, utilizar el diseño gráfico para aclarar y agudizar el debate social? La muestra se distribuye en ocho galerías y reúne el trabajo de unos cincuenta diseñadores y artistas de los Países Bajos y el mundo.


Escasez, conflicto y pluralidad
La curadora Annemartine van Kesteren señaló: “Creo que la creatividad es un medio poderoso para abordar las grandes preguntas del momento. El diseño contemporáneo puede inspirar, iniciar cambios o establecer una transfiguración de ideas en movimiento. La muestra ofrece una visión general actual del trabajo innovador de los diseñadores relacionado con temas sociales actuales como la escasez, el conflicto y la unanimidad.


Diseñadores como Eric Klarenbeek, Iris van Herpen, Jólan van der Wiel, Dave Hakkens y Christien Meindertsma están conectados a los tres temas actuales: escasez, conflicto y pluralidad.

One-to-One (R. Mariz) Elisa van Joolen 2017Exhibiciones de moda – Change de System. Foto: One-to-One (R. Mariz) Elisa van Joolen 2017

 

The Vulgar – Fashion Redefined

ModeMuseum Hasslet, Hasslet – Bélgica

La palabra “vulgar” se usó originalmente en el mundo de habla inglesa para caracterizar a una clase social y describir cualquier cosa que prevaleciera comúnmente. Con el tiempo, esta descripción neutral se convirtió en un insulto. La vulgaridad se asoció con la pretensión y la ambición, con aspiraciones a privilegios especiales. Y aún tiene connotaciones negativas.
Judith Clark ha curado y diseñado la exposición en torno a 12 nuevas definiciones de la palabra junto al psicoanalista Adam Phillips. Dispuestos alrededor de categorías temáticas, como ‘Demasiado’, ‘Mostrar’ y ‘Cuerpos extremos’, Clark y Phillips entran en un diálogo que acompaña al visitante a través de la exposición. Ilustran esta compleja idea las creaciones de Walter Van Beirendonck, Christian Dior, Karl Lagerfeld para Chloé, Prada, Vivienne Westwood, Louis Vuitton y Givenchy entre otros. Las prendas ilustran la inestabilidad del gusto: lo que una vez fue equiparado con la vulgaridad es revisitado por los diseñadores para convertirse en el apogeo de la moda.

 

The Vulgar, Fashion United BélgicaExhibiciones de moda – Foto: The Vulgar – Fashion Redefined.  Credit: Kristof Vrancke para Fashion United Bélgica

 

Items: Is Fashion Modern?

The Museum of Modern Art, Nueva York – Estados Unidos

La exposición explora el presente, el pasado -y a veces el futuro-  de 111 prendas y accesorios de los siglos XX y XXI que han tenido un fuerte impacto en el mundo y aún siguen vigentes. Entre ellos se encuentran piezas tan conocidas y transformadoras como los Levi’s 501s, la camiseta de rayas marineras y el Little Black Dress. Otros tan antiguos y culturalmente cargados como el sari, el collar de perlas, el kippah y el keffiyeh. ‘Items’ también invitó a algunos diseñadores, ingenieros y fabricantes a reversionar algunos de estos artículos indispensables con materiales, enfoques y técnicas innovadoras. De esta manera llevan la conversación a futuros lejanos y cercanos, conectando la historia de estas prendas con su uso actual. Impulsada principalmente por los objetos, no por los diseñadores, la exhibición considera las muchas relaciones entre la moda y la funcionalidad, la cultura, la estética, la política, el trabajo, la identidad, la economía y la tecnología.

Organizado por Paola Antonelli, curadora principal, y Michelle Millar Fisher, asistente de curador del departamento de arquitectura y diseño.

Exhibiciones de moda. Items - MOMA Shutterstock - SFIO CRACHOExhibiciones de moda – Camiseta blanca. Imagen cortesía Shutterstock/SFIO CRACHO

 

Anni Albers: tocar la vista

Guggenheim Bilbao País Vasco – España

Organizada en colaboración con The Josef and Anni Albers Foundation, esta muestra subraya el papel pionero de Anni Albers (1899– 1994) en el renacer moderno del arte textil (Fiber Art). La artista se inspiró en las culturas precolombinas y en la industria moderna, aunque su trabajo trascendió las nociones de artesanía y de labor propia del género femenino. Además de haber llevado a cabo innovaciones en el tratamiento de las tramas textiles y una permanente investigación de motivos y funciones del tejido, Albers logró posicionarse frente al papel dominante de la pintura a través de los textiles y el grabado, considerados “géneros menores” a pesar de su profundo calado en la historia humana. En su empeño por lograr un contacto verdadero con el objeto, Albers también contribuyó a redefinir la obra de arte como diseño reproducible, ofreciendo al público una mayor accesibilidad a la producción piezas artística.

Anni Albers: tocar la vista es un homenaje a la mirada táctil y emocional de una artista que buscó siempre la pureza conceptual y la claridad en la realización del trabajo.

 

Anni Albers en su estudio del Black Mountain College, Helen PostAnni Albers en su estudio del Black Mountain College, 1937 The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany CT – Fotografía: Helen M. Post © The Josef and Anni Albers Foundation, VEGAP, Bilbao, 2017

 

Louise Dahl-Wolfe: A Style of Her Own

Fashion and Textile Museum, Londres – Inglaterra

Louise Dahl-Wolfe (1895–1989) es una de las fotógrafas más importantes del siglo XX. Su trabajo en los años treinta, cuarenta y cincuenta introdujo un enfoque informal y contemporáneo en la moda. Tuvo enorme influencia en Richard Avedon, Irving Penn y otros grandes fotógrafos. La exposición que se compone de más de 100 fotografías -1931 a 1959- muestra el trabajo de diseñadores de alta costura como Chanel, Balenciaga y Dior, y el de los innovadores Claire McCardell y Clare Potter.
La exposición incluye un cuerpo significativo de retratos de Dahl-Wolfe. Un punto clave de la exposición son los 22 años de la fotógrafa como colaboradora de Harper’s Bazaar (de 1936 a 1958).

 

Louise Dahl-WolfeExhibiciones de moda – Foto: Cortesía Louise Dahl-Wolfe/Center for Creative Photography/Arizona Board of Regents

 

Mod New York: Fashion Takes a Trip

Museum of City of New York, Nueva York – Estados Unidos

La década del sesenta significó una revolución para el mundo de la moda. Sus tradiciones fueron desafiadas, rechazadas y reinventadas por una nueva generación. Comenzando con Jacqueline Kennedy en su rol de primera dama como un nuevo ícono de estilo estadounidense y evolucionando a lo largo de la década, la moda de esos años fue legendaria por su energía, su ingenio y su atractivo perdurable. El alcance de las tendencias de la década excede a su icónica minifalda, el vestido de bloques de color y el espíritu bohemio. Mod New York: Fashion Takes a Trip arroja nueva luz sobre un período marcado por una tremenda y atrevida diversidad estilística.

 

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